OUT·

Ideario

OUT es un prefijo anglosajón que denota algo externo, que se sobrepasa, que está fuera. En OUT· nos identificamos con este concepto y lo relacionamos con lo que consideramos que es la escucha. Escucha, entendida como el proceso en que uno se acerca a músicas que pueden no parecerle habituales, que exigen un cierto esfuerzo, que le obligan, en definitiva, a aceptar una manera de entender el mundo que es externa a uno mismo. Esa invitación a conocer lo que aún no conocemos, a ser alguien que aún no somos, a salir fuera de nosotros mismos, es el principio con el que la productora musical OUT· afronta la creación y programación de sus propuestas.

 

En OUT·SIDE –el ciclo de nuevas músicas en centros de arte catalanes- nos ocupamos de brindar un escenario en el que mostrar proyectos que consideramos enormemente valiosos que reflejan nuestra filosofía. En el resto de propuestas de OUT· estamos además implicados de manera personal con proyectos realizados directamente por nosotros o músicos y artistas con los que nos sentimos especialmente cercanos, pero que paradójicamente pretenden reflejar este impulso creativo de manifestar ideas y objetivos que no existían antes de ser creados, que son externos a uno mismo. Hasta que son encontrados.

¿Interesado en alguno de nuestros proyectos? Puedes descargar los dossieres o contactar con nosotros:

Compression Music

(2018, Luis Codera Puzo)

Músicos del proyecto

Sarah Maria Sun · voz
Neus Estarellas Calderón · piano
Feliu Ribera Riera · percusión
Santi Barguñó · electrónica en vivo e ingeniero de sonido
Luis Codera Puzo · composición, sintetizador modular y samplers

English dossier

Dossier en español

Compression music es una composición para ensemble amplificado y sintetizadores que contrapone dos ideas de sonido diferentes. Por un lado, la omnipresente estética sonora actual se caracteriza por dinámicas homogéneas y un sonido compacto y amplificado. Debido al fenómeno de la compresión, la mayoría de música popular moderna presenta un contraste dinámico entre partes fuertes y débiles mínimo. Esta idea es muy extraña a una tradición musical clásica basada en principios opuestos en los que por ejemplo se pueden encontrar distancias de energía sonora abismales entre toda una orquesta que toca de manera arrolladora y tras unos segundos da paso a un fragmento íntimo con un único instrumento. Hay muchos otros elementos que se derivan de esta concepción de sonido, como son las diferencias de espacio sonoro o de timbre de los instrumentos. Una sala de conciertos no es un CD ni un estudio de grabación, un instrumento acústico no se comporta como una guitarra eléctrica y tenemos que ser conscientes que cuando escuchamos un instrumento amplificado también escuchamos (como mínimo) el micrófono y el altavoz por el que suena.

La particular plantilla instrumental de la pieza refleja esta dualidad: piano y percusión particularmente amplificados, voz, un intérprete de sintetizador modular y sampler, y un ingeniero de sonido con un papel crucial detalladamente definido en la partitura.

» …cuando escuchamos un instrumento amplificado también escuchamos (como mínimo) el micrófono y el altavoz por el que suena.»

Compression music se enmarca en esta reflexión como un ejercicio de toma de conciencia. Es un intento de no ignorar cómo y por qué escuchamos y de proponer, a lo largo de diferentes movimientos, situaciones que manifiestan estas diferentes y casi incompatibles concepciones de sonido. En Compression music la acústica no es una característica o una propiedad secundaria del concierto: la acústica, la idea de sonido, es la pieza.

White

(2020, Pablo Carrascosa Llopis)

“White” marca el cierre de un ciclo en forma de trilogía que el autor ha dedicado a la reinterpretación de distintos géneros de la música popular y su traslación al mundo de la música de concierto “culta”. El ciclo se inicia con “Blue” y “Black” como resultados de la investigación del Blues y al Black Metal respectivamente. “White” es la más ambiciosa de la piezas que forman parte de esta trilogía, una propuesta de más de una hora de duración y unas condiciones de escucha y disposición escénica muy particulares en la que el espacio juega un papel fundamental tanto en la percepción como en la propia composición musical.

Además de la cuestión espacial, “White” trabaja fuertemente el ritmo a partir de elementos de organización rítmico-formales extraídos de la música karnática india y de las aportaciones de la banda sueca “Meshuggah”. De corte parco, la armonía e interválica de la obra están inspiradas en el estilo austero de las pequeñas piezas de atonalidad libre del compositor austríaco Anton Webern, con citas al inicio de su Op. 11 para piano y cello.

«Son dos piezas en una, dos mundos yuxtapuestos en un ir y venir referencial. La figura del Dj y la del director coexisten, la sala evoluciona sutilmente en su capacidad reverberante para adaptarse a las necesidades acústicas y de intensidad sonora.»

“White” es una obra que plantea una fuerte disyuntiva entre lo acústico y lo electrónico, entre el mundo de lo culto y lo popular desde la escucha y su experiencia espacial y tímbrica. Son dos piezas en una, dos mundos yuxtapuestos en un ir y venir referencial. La figura del Dj y la del director coexisten, la sala evoluciona sutilmente en su capacidad reverberante para adaptarse a las necesidades acústicas y de intensidad sonora. En ese baile, en esa dicotomía estilística es donde encuentra su virtud pero también su riesgo.

[Estreno: abril de 2020]

Músicos del proyecto

Barcelona Modern Ensemble
Frames Percussion
Lluïsa Espigolé · piano
Joan Serinyà · contrabajo
Pablo Carrascosa Llopis · electrónica en vivo
Lorenzo Ferrándiz · dirección

Dossier

Empor

(2017, Luis Codera Puzo/Irène Gayraud)

Músicos del proyecto

Sarah Maria Sun · soprano solista
Laia Bobi Frutos, Anja Clift, Eve Cambreling · flautas

Beltane Ruiz, Caleb Salgado, Tobias Grove · contrabajos

Latvian Radio Choir · sopranos
Lorenzo Ferrándiz · director

English dossier

Dossier en español

Empor es una pieza de 40 minutos que trata sobre la idea de proceso creativo. Creación entendida no como un evento necesariamente extremo o una especie de big bang, sino como un fenómeno que tiene lugar con la atención prestada a lo más mínimo a través de la escucha. Esta escucha proviene de una disponibilidad interna que permite que el mundo entre en el yo y, a cambio, que el yo venga al mundo.

El proceso alcanza un punto determinante en el segundo movimiento con el verso «L’écoute est une perte de frontière» (La escucha es una pérdida de frontera).

» L’écoute est une perte de frontière» (La escucha es una pérdida de frontera)

Esta pérdida de frontera simboliza que la escucha, la creación, es aceptar algo externo, entendido como lo que uno todavía no es. Ser capaz de abandonar la definición de la propia identidad para hacer posible lo nuevo.

 

La música (Luis Codera Puzo) y el texto (Irène Gayraud) fueron ideados y creados simultáneamente durante varios años. La pieza se estrenó en las Sampler Sèries de L’Auditori de Barcelona el 17 de mayo de 2017.